[더프리뷰=서울] 마리아 안드레아 베루티(Maria Andrea Berutti) 아르헨티나 무용축제감독 = 지난 11월 6일 서강대학교 메리홀 소극장에서 공연된 이가영의 <안간힘>은 관객들을 작가의 내면세계 가까이로 초대하는 내밀한 성격의 작품이었다. 특히 마지막 장면에 등장해서 작품을 마무리하는 라이브 뮤지션을 비롯, 시종일관 매우 잘 묘사되고 정확한 음악적 담론을 지니고 있는 배경음악이 인상적이었다.

또한 무대 세트와 소품들은 춤과 사물의 유기적 게임을 유발하며, 조명과 소품의 사용에 따라 다양한 소스, 환경, 관점, 낮과 밤의 분위기를 생성하며 갖가지 장면을 만들어낸다. 무용수들 움직임의 특징은 ‘릴리즈 테크닉’이라 불리는 그룹 댄스 기술이라고 할 수 있는데, 이러한 각각의 동작들은 즉흥성에 기반하여 안무 구성을 더욱 매력적으로 만든다.

초반부에는 안무의 모티브가 되는 ‘순진한’ 짧은 스토리가 등장하며, 이어 작품의 주제를 규정하는 조작과 반복의 구조가 상시적으로 유지된다. 등장인물은 작품의 공간과 시간성을 번갈아 넘나드는 여성 중심인물 한 명과 남성 보조인물 두 명으로 구성된다. 무용수들은 자신을 다른 대상으로 변신시키는 모든 종류의 물체들을 가지고 놀면서, 이러한 액션의 초점이 작품 제목인 ‘안간힘’과 관련된 의미(싸움 또는 갈등)를 찾는 쪽으로 이동하는데, 이는 공연이 끝난 후에도 관객과 함께 갈 감정이다.

이야기의 전개에 따라 관중의 시선 앞에서 해체되는 '솔로' '컨택트 듀엣' '유니슨 트리오'가 번갈아 진행된다. 그들은 자신들을 지탱하는 그들 사이의 긴장을 유지하지 못한다. 이러한 접근법은 그들을 유치한 나르시시즘에 사로잡힌 심드렁하고 무관심한 캐릭터로 배치해 놓음으로써, 그들 관계 내부에 갈등이나 긴장관계가 존재한다는 것에 대한 이해를 어렵게 만든다. 스토리가 매우 깔끔하고 적응력 있게 전개되기 때문에 <안간힘>이라는 제목은 여전히 의문으로 남는다. 이 작품이 제시하는 꿈같은 우주에 어색함이 결부되는 것이 보인다. 또한 라디오가 켜지는 장면에서 한국어를 이해하지 못하는 관중은 배제된다. 시간이 길어지고 캐릭터가 갑자기 유치해지는데, 이전 장면들에서는 예상할 수 없었던 사태이다.

이 작품은 도시의 비전통적 공간이나 독립적인 극장에서 공연될 수 있다. 그 주제로 보아 관객들과의 소통 가능성이 높을 것으로 예상된다. 다른 예술적 하위언어들, 특히 청소년이나 성인 공동체의 다른 유형의 대중을 통합할 수 있는 가능성이 있다.

결론적으로 이 작품은 변화하고 유지되는 것들 사이의 교차를 한계까지 밀어붙임으로써, 공연 내내 시청자들을 집중시킨다. 음악적이고 컬러풀한 디자인과 무대가 대중의 환영을 받을 만하다. 축제 주최자의 관점에서 말하자면 이 공연은 지속적인 투어와 전통적이지 않은 작은 공간에 적응할 수 있는 장점이 있다.

무대 위의 동작과 소품과 무대미술은 모두 네 명의 퍼포머에 녹여지고 전체 담론에 통합되어야 한다. 혹시 아르헨티나 연출가와 함께 레지던시하면서 작업할 기회가 있다면 좋겠다. 그렇게 된다면 작품이 더욱 풍성해질 수 있을 것 같다.

(번역 조의행, 정리 이종호)

Veedora: Profesora Andrea Berutti (Directora del Festival Internacional Ola Danza)

● Fortalezas (de índole interno al proyecto)

Carácter de la obra: Es una obra de carácter íntimo, que invita al espectador a acercarse hacia el mundo interior del autor.

Música: Posee un discurso musical muy bien delineado y atinado durante todo momento, incluyendo un músico en vivo que surge en la última escena para dar cierre a la obra.

Escenografía y utilería: Plantea un juego con los objetos escenográficos que se incorporan a la danza y, crea distintas escenas a partir de la utilización de la utilería y su iluminación.

Lenguaje: El carácter del movimiento en los bailarines se expresa desde alguna técnica de danza del grupo denominado “release technique”. Cada uno de esos movimientos, dan cuenta de un estudio de investigación a partir de la improvisación, lo cual hace más atractiva la composición coreográfica. Iluminación: El diseño de iluminación genera múltiples focos, ambientes y perspectivas tanto como climas diurnos y nocturnos.

Vestuario: se transforma en un recurso inherente al discurso coreográfico.

Argumento: un argumento que delinea una pequeña historia de acontecimientos en donde el relato se torna “Naïf”. La estructura de manipulaciones y repeticiones se sostiene en cada momento, lo cual define el tema de movimentación de la obra.

Personajes: Hay un personaje central femenino y dos personajes secundarios masculinos que alternan el espacio y la temporalidad de la obra. Los bailarines juegan con todo tipo de objetos, transformándose a sí mismos en objeto de los demás; en este devenir de sentidos, el foco de la acción se redirige hacia la

búsqueda de un sentido en relación a la “lucha o conflicto” sugerida en el título de la obra, sentimiento que acompañará al espectador aún después de terminado el espectáculo.

● Debilidades (de índole interno al proyecto)

Dirección artística: El discurso alterna entre “solos”, “dúos de contacto” y “tríos de unísonos” que se van disgregando ante la mirada del público. No logran confrontar una tensión entre ellos que los sostenga, el planteo los sitúa como personajes apáticos e indiferentes entre sí, ensimismados en un narcisismo de carácter infantil; no puede haber conflicto en una relación en la cual no se ha dado un interés previo; queda en duda el “conflicto o lucha” ya que los acontecimientos se desencadenan con mucha prolijidad y adaptación; se observa inhibición para relacionarse y profundizar en el onírico universo que propone la obra.

En la escena en donde se enciende la radio, los espectadores que no hablan el idioma del interlocutor, quedan afuera. Se alarga el tiempo y el personaje se torna súbitamente infantil, momento inverosímil en relación a los sucesos anteriores. El final está sobreadaptado.

● Oportunidades (de índole externo al proyecto)

La obra permite ser presentada en espacios no convencionales y salas independientes de la ciudad. La temática del espectáculo abre al diálogo con el espectador. Es un espectáculo que puede integrar distintos tipos de público dentro de otros sub-lenguajes artísticos, especialmente de la comunidad de jóvenes y adultos.

● Amenazas (de índole externo al proyecto)

El tiempo de armado no le permite compartir sala con otras obras en una misma

programación en un mismo día.

Conclusión: La obra mantiene atento al espectador durante todo su desarrollo, llevando al límite la alternancia entre lo que cambia y permanece. El diseño musical, colorido y la forma de la puesta en escena son bienvenidos por el público.

Es un espectáculo que puede ir en gira y adaptarse a pequeños espacios no convencionales.

Recomendaciones: Los movimientos en escena tanto de utilería como escenografía deberían resolverse e integrarse en el Discurso por los mismos cuatro intérpretes de la obra.

Quizás el trabajo del coreógrafo podría enriquecerse si pudiera trabajar en residencia con un director teatral argentino.